D’après le roman d’Edouard Louis En finir avec Eddy Bellegueule
Mise en scène et adaptation Jessica Gazon
Avec Janie Follet, Sophie Jaskulski, Louise Manteau, François Maquet
Du 17 mars au 22 mars 2026
Au Théâtre des Martyrs
Adapté du roman d’Edouard Louis, En finir avec Eddy Bellegueule plonge le spectateur dans un village ouvrier du Nord de la France. Depuis des générations, la vie y est régie par des règles implicites où la virilité fait loi et où chacun est assigné à une place dont il semble impossible de s’extraire. Par sa différence et sa sensibilité, Eddy devient ainsi rapidement la cible de violences répétées. A la fois rude et profondément humaine, l’œuvre dépeint un univers marqué par la violence sociale héréditaire tout en effleurant continuellement un puissant désir d’émancipation.
« Aujourd’hui, je serai un dur »
Dès l’entrée dans la salle, le public est surpris. Sur des tubes de Johnny Hallyday et de Céline Dion, les acteurs l’accueillent avec un karaoké chaleureux et festif. Mais dès que les lumières s’éteignent, cette légèreté disparait brutalement et le spectateur bascule alors dans un monde sombre. A l’école comme au sein de sa famille, Eddy endure les humiliations, les reproches et les agressions homophobes. Malgré ses efforts, le jeune garçon peine à se conformer aux normes masculines d’un milieu ouvrier délaissé et brutal. Coincé entre un père violent et une mère démunie, sa famille lui offrira néanmoins, par quelques gestes maladroits, un soutien décisif et l’espoir d’un avenir meilleur.
Un message essentiel
L’adaptation s’avère fidèle à l’œuvre tout en affirmant sa propre identité. Le dispositif scénique est d’une grande souplesse. Quatre comédiens incarnent tour à tour le rôle d’Eddy, se transmettant simplement un survêtement pour l’incarner. Ce choix souligne une forme d’universalité, Eddy n’étant pas qu’un simple individu mais bien le symbole d’une expérience commune. Le jeu, à la fois fluide et intense, impressionne par sa capacité à passer du comique au tragique. L’accent du Nord, très bien imité, renforce l’authenticité et les traits d’humour. D’autres scènes, notamment celle de la grand-mère, apportent quant à elles une touche de tendresse presqu’éprouvante pour le spectateur.
Soutenue par un décor mobile et des projections vidéo, la mise en scène maintient une tension constante. Les transitions sont rapides et l’attention ne faiblit jamais durant 1h45. Les séquences dansées, portées par des musiques des années 90, apportent aussi une parenthèse inattendue et libératrice.
En dépassant la violence, le spectacle touche finalement par sa tendresse et son audace. Il interroge la transmission des normes sociales, de la masculinité et de la souffrance transmise de génération en génération. Il est aussi un signe d’espoir, laissant entrevoir la possibilité d’une échappatoire. Drôle par moments, bouleversante souvent, la pièce s’impose comme œuvre de compréhension essentielle et marquante, particulièrement pour les jeunes spectateurs.